Algo para recordar: normas para las citas

Para tener en cuenta en los trabajos prácticos...

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Normas de citado

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Artaud, A.- Van Gogh, el suicidado por la sociedad

Vincent Van Gogh, Dolor, 1882

La cita del cuadro corresponde a Jules Michelet en el tratado La Femme (1860):

“¿Cómo es que hay en la tierra una sola mujer?”

...“No, Van Gogh no era loco, pero sus cuadros constituían mezclas incendiarias, bombas atómicas, cuyo ángulo de visión, comparado con el de todas las pinturas que hacían furor en la época, hubiera sido capaz de trastornar gravemente el conformismo larval de la burguesía del Segundo Imperio, y de los esbirros de Thiers, de Gambetta, de Félix Faure tanto como los de Napoleón III.

Porque la pintura de Van Gogh no ataca a cierto conformismo de las costumbres, sino al de las instituciones mismas. Y hasta la naturaleza exterior, con sus climas, sus mareas y sus tormentas equinocciales, ya no puede, después del paso de Van Gogh por la tierra, conservar la misma gravitación.

Con mayor motivo en el plano de lo social, las instituciones se disgregan, y la medicina semeja un cadáver inutilizable y descompuesto que declara loco a Van Gogh.

Frente a la lucidez de Van Gogh en acción, la psiquiatría queda reducida a un reducto de gorilas, realmente obsesionados y perseguidos, que sólo disponen, para mitigar los más espantosos estados de angustia y opresión humana, de una ridícula terminología, digno producto de sus cerebros viciados”...

Antonin Artaud, Van Gogh, el suicidado por la sociedad

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Los comedores de papas - Van Gogh

Durante la primavera de 1885 Vincent Van Gogh pintó Los comedores de patatas. Con ayuda de Theo se imprimieron veinte litografías que podían adquirirse a precios accesibles

... "He querido dedicarme conscientemente a expresar la idea de que esa gente que, bajo la lámpara, come sus patatas con las manos que meten en el plato, ha trabajado también la tierra, y que mi cuadro exalta, pues, el trabajo manual y el alimento que ellos mismos se han ganado tan honestamente."... Vincent Van Gogh

La pintura de Manet

Georges Bataille, Manet (1955) y Michel Foucault, La Pintura de Manet (1989) - Por Marta Morales Martín

Sebreli - Del romanticismo al simbolismo: Las primeras vanguardias

El arte moderno es una denominación general y vaga que se asocia al concepto igualmente indefinido de modernidad. Sin embargo, basta precisar qué significan ambos términos para advertir que la relación, acríticamente aceptada, no es tal sino todo lo contrario. El término de modernidad hace referencia al cambio histórico sin precedentes surgido en Occidente, por un encadenamiento de circunstancias, con el Renacimiento, el Humanismo y la Reforma, y sobre todo, a partir del siglo XVIII, con el Iluminismo o filosofía de la Ilustración. Un nuevo y vertiginoso modo de vida se produjo desde entonces por una combinación de elementos: el desarrollo simultáneo y entrelazado de la ciencia y la técnica con sus grandes descubrimientos e inventos, la transición de la sociedad agraria a la industrial, del trabajo artesanal al mecanizado, de la comunidad al individuo, del modo de producción feudal al capitalista. El perfeccionamiento de las comunicaciones posibilitó la explotación y conquista del planeta, el surgimiento del mercado mundial, las grandes olas migratorias, el crecimiento urbano, el intercambio de culturas extrañas y un consiguiente sentido de la unidad del género humano y de la universalidad de la historia. Las revoluciones burguesas inglesa, norteamericana y francesa, la alfabetización y la difusión de la prensa impulsaron los ideales de democracia política, libertades civiles y derechos humanos, dan-do origen a los movimientos sociales y al despertar de la conciencia individual. El incremento asombroso del conocimiento trajo confianza en la capacidad de la razón humana para resolver los problemas del mundo, fe en el progreso de la humanidad, en la posibilidad de mejorar las condiciones de vida y una correlativa desvalorización del pasado. El pensamiento racional y crítico de la ilustración francesa, el liberalismo inglés y el idealismo filosófico alemán provocaron la desmitificación de los valores tradiciona-les, de los dogmas religiosos, de las costumbres ancestrales, el fin de las explicaciones mágicas, despojando de su halo de santidad todo lo venerable y haciendo que, como señalara Marx, todo lo sólido se desvaneciera en el aire; en suma, una verdadera revolución espiritual que Max Weber llamara "desencantamiento del mundo".

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Sebreli - "Del romanticismo al simbolismo: Las primeras vanguardias" en Las aventuras de la vanguadia: El arte moderno contra la modernidad

Edouard Manet: pensar con los colores - Carlos Vásquez-Zawadzki

Manet, Mlle Victorine Meurent en Costume d’ espada

1 La risa idiota del espectador

Sí, Emilio Zolá escucha el estallido de las risas gratuitas, las injurias insensatas y los insultos grandilocuentes de los sabios que son registrados por los caricaturistas cínicos de los años sesenta. Todo o casi todo el movimiento artístico académico y los espectadores (hoy decimos, ‘lectores’) de las primeras telas expuestas por Manet a la percepción tradicional, muestran un solo índice señalador, un solo gesto condenatorio, una sola mirada insatisfecha (pero, angustiada) y una carcajada única que todavía escuchamos en la historia de la pintura moderna.

Esa risa amarilla, o carcajada batiente es aquella de ‘la stupidité’, sobre la cual escribirá Gustavo Flaubert en su Correspondance, haciendo referencia al irrisorio saber estético de sus contemporáneos.

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Edouard Manet: pensar con los colores

Francastel - Impresionismo y arte moderno.

Ninfeas (fragmento), Monet

… “En su origen, el impresionismo nce del realismo. Del de Courbet, por una parte, y del muy clásico de Corot, por la otra. Luego de algunas dudas por parte de los iniciadores, es la corriente Corot la que se impone hasta alrededor de 1875: el impresionismo es primeramente un arte de paisajistas, sujetos a la notación sutil y poética de los efectos más plenos de matices de la luz. Es una pintura al aire libre, una pintura clara, una pintura de confidencias. Vale opr la calidad exquisita de la sensibilidad de algunos hombres, herederos de la tradición francesa del siglo XVIII”…

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Benjamin, W - El autor como productor

Se trata de ganar a los intelectuales para la clase obrera, haciéndoles tomar consciencia de la identidad de sus diligencias espirituales y de sus condiciones como productores.

Ramón Fernández

Ustedes recuerdan cómo Platón, en el proyecto de su Estado, procede con los poetas. En interés de la comunidad les prohibe que residan en él. Platón tenía un alto concepto del poderío de la poesía. Pero la tuvo por dañina, por superflua, bien entendido que en una comunidad perfecta. Desde entonces no se ha planteado a menudo con la misma insistencia la cuestión del derecho a la existencia del poeta; pero hoy sí que se plantea. Sólo que raras veces en esa forma. Pero a ustedes todos les resulta más o menos habitual en cuanto cuestión acerca de la autonomía del poeta: acerca de su libertad para escribir lo que quiera. No son ustedes proclives a aprobar esa autonomía. Creen que la actual situación social le obliga a decidir a servicio de quién ha de poner su actividad. El escritor burgués recreativo no reconoce tal alternativa. Ustedes le prueban que trabaja, aun sin admitirlo, en interés de determinados intereses de clase. Un tipo progresista de escritor reconoce la alternativa. Su decisión ocurre sobre la base de la lucha de clases, al ponerse del lado del proletariado. Se ha acabado entonces su autonomía. Orienta su actividad según lo que sea útil para el proletariado en la lucha de clases. Se acostumbra decir que persigue una tendencia...

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Benjamin - El autor como productor

Brindis por la modernidad - Marshal Berman

... "Los ambientes y las experiencias modernas cruzan todas las fronteras de la geografia y la etnicidad, de las clases y la nacionalidad, de la religión y la ideología: en este sentido, puede decirse que la modernidad une .a toda la humanidad. No obstante, esta unión es paradójica. es una unión de la desunión: nos arroja a un remolino de desintegración y renovación perpetuas, de conflicto y contradicción, de ambigüedad y angustia. Ser modernos es ser parte de un universo en el que, como dijo Marx. 'todo lo que es sólido se evapora en el aire".

Quienes están en el centro del remolino tienen el derecho de sentir que son los primeros. y quizá los únicos, que pasan por él-, este sentimiento produjo numerosos mitos nostálgicos sobre el premoderno Paraíso Perdido. Sin embargo, incontables personas lo padecen desde hace unos quinientos años. Y pese a que es probable que muchas experimentaran la modernidad como una amenaza radical a su historia y sus tradiciones, ella, en el curso de cinco siglos, desarrolló una historia fértil y una tradición propia. Mi Intención es analizar y trazar estas tradiciones para entender el modo en que pueden alimentar y enriquecer nuestra propia modernidad, y en qué forma oscurecen o empobrecen nuestra idea de lo que es y puede ser la modernidad"...

Texto completo: Brindis por la modernidad - Marshal Berman

Acceso al libro en formato pdf:
Marshall Berman - Todo lo sólido se desvanece en el aire

Josef Koudelka - Fotografías

Muestra Invasión 68 Praga reúne 75 fotografías blanco y negro tomadas por Josef Koudelka -y una película seleccionada personalmente por el artista en su extenso archivo- sobre la invasión soviética a la República de Checoslovaquia.

En 1968 Koudelka tenía treinta años. Se había comprometido poco antes a ser un fotografo de tiempo completo, y había fotografiado obras de teatro y la vida de los gitanos, pero nunca había oído hablar del fotoperiodismo. Eso cambió la noche del 21 de agosto, cuando los ejércitos de los países del Pacto de Varsovia invadieron la ciudad de Praga, terminando con el corto período de libertad política en Checoslovaquia, que fue conocido con el nombre de Primavera de Praga. En medio de la confusión de la invasión liderada por los soviéticos, Koudelka salió a la calle para documentar ese momento crítico.

Más información:
http://Muestra de Josef Koudelka-Fundación OSDE>

REMBRANDT’S J’ACCUSE de Peter Greenaway

El último documental de Peter Greenaway abre el 17 Festival Latinoamericano de Video Rosario

http://flvr.com.ar/

Catálogo del 17 FLVR


Cine El Cairo
Jueves 23 a las 20:30 hs.

Para consultar sobre la Programación de EL CAIRO, CINE PÚBLICO ingresar a:

http://elcairocinepublico.blogspot.com

Rembrandt’s J’Accuse es la investigación personal del director Peter Greenaway sobre la conspiración y el asesinato que se esconden tras el famoso cuadro La ronda de noche de Rembrandt. Greenaway asume el rol de historiador de arte, detective, fiscal y juez, analizando con detalle la escena del crimen y las pistas que se esconden con el objetivo de descubrir los asesinos entre los personajes representados en la pintura.
A través de este docudrama y de una manera muy metódica, el director analiza todas las partes del cuadro y los elementos en que basa su teoría de la conspiración y se asegura que, más de 350 años después de la creación de esta obra de arte, podamos entender el auténtico significado de la pintura y nos da toda la información necesaria para reabrir una investigación de asesinato. [...]
En 1642, año en que se pintó La ronda de noche, Rembrandt era un pintor de éxito, treinta años después, era un hombre pobre y arruinado. ¿Fue éste el resultado de una venganza por la peligrosa acusación que hizo en su pintura?

Notas del director

“Es necesario investigar y, cuando lo hacemos, al final y con un poco de ingenio, vemos claramente que La ronda de noche de Rembrandt se esfuerza por resolver un conflicto. Éste es el acto más subversivo de Rembrandt, su yo acuso.”

“El cuadro es la manifestación de un asesinato con los asesinos captados al detalle. Es curioso pensar que Rembrandt cobró, y cobró tan bien, por revelar la verdad del ejército civil de Ámsterdam en plena edad de oro holandesa, todo ello en una milésima de segundo y que esta verdad queda congelada en La ronda de noche.”

“Los espectadores se entretendrán, quedaran fascinados y, sobretodo, satisfechos de que la evidencia haya sido finalmente interpretada con éxito. Al fin y al cabo, esta es la interpretación de una pintura que sigue las reglas y la historia. Rembrandt se sentiría gratificado de ver que esta obra coral fue reconocida como la acusación que él pretendía que fuera.”

Peter Greenaway – Director

Nació en Gales y estudió en Londres. Después de formarse en el mundo de la pintura, dirigió su primer filme en 1966. De perfil polivalente, ha trabajado como comisario en exposiciones de arte, ha estado nominado varias veces en los festivales de Cannes, Venecia y Berlín, ha publicado libros y ha escrito sobre teatro y ópera. Su primer largometraje, The draughtsman’s contract fue aclamado por el público y le consolidó internacionalmente como uno de los directores contemporáneos más originales, reputación que se consolidó con películas como The cook; The thief, his life and his lover; y The pillow book.